أخبار

ولادة فينوس لبوغيرو

ولادة فينوس لبوغيرو


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


ولادة فينوس (بوجيرو)

ولادة فينوس (فرنسي: لا نايسانس دي فينوس) هي واحدة من أشهر اللوحات التي رسمها الرسام ويليام أدولف بوجيرو من القرن التاسع عشر. إنه لا يصور الولادة الفعلية للزهرة من البحر ، ولكن نقلها في صدفة كامرأة ناضجة تمامًا من البحر إلى بافوس في قبرص. وهي تعتبر مثالاً للنموذج اليوناني الكلاسيكي والروماني لشكل الأنثى وجمالها ، على قدم المساواة مع فينوس دي ميلو.

ولادة فينوس
فرنسي: لا نايسانس دي فينوس
فنانوليام أدولف بوجيرو
عام1879 ( 1879 )
واسطةزيت على قماش
أبعاد300 سم × 218 سم (120 × 86 بوصة)
موقعمتحف دورسيه

بالنسبة إلى Bouguereau ، يعتبر جولة القوة. يبلغ ارتفاع القماش ما يزيد قليلاً عن 300 سم (9 أقدام و 10 بوصات) وعرض 218 سم (7 قدم 2 بوصة). يشبه الموضوع ، بالإضافة إلى التكوين ، عرضًا سابقًا لهذا الموضوع ، ساندرو بوتيتشيلي ولادة فينوس، وكذلك رفائيل انتصار غلاطية.

في وسط اللوحة ، تقف الزهرة عارية على صدفة محار [1] يسحبها دلفين ، أحد رموزها. اجتمع خمسة عشر بوتي ، بما في ذلك كيوبيد وعشيقه Psyche ، والعديد من الحوريات والقنطور ليشهدوا وصول كوكب الزهرة. تحدق معظم الشخصيات في وجهها ، وينفخ اثنان من القنطور في قذائف المحارة وقذائف تريتون ، مما يشير إلى وصولها.

تعتبر الزهرة تجسيدًا للجمال الأنثوي والشكل ، وتظهر هذه السمات في اللوحة. [1] رأسها مائل إلى جانب ، وتعكس تعابير وجهها أنها هادئة ومريحة مع عريها. ترفع ذراعيها ، [2] وترتب طول فخذها ، وشعرها البني ، وتتأرجح بأناقة في تناقض منحنى "S" ، مع التركيز على منحنيات جسدها. [3]

تم تكبير شخصية الزهرة من حورية من Bouguereau Nymphaeum، تم الانتهاء منه في عام 1878 ، قبل عام. [3] الحورية أرق قليلاً وثدييها ممتلئان وأكثر تقريبًا. يكون عارض فينوس أكثر كثافة ، وشعرها أطول وأخف من شعر الحورية ، لكنها ترتبه بشكل متطابق تقريبًا.

إلى اليسار العلوي من اللوحة ، هناك ظل في السحب. يبدو أنه صورة ظلية للفنان ، برأس وكتف وذراع وقبضة مرفوعة يبدو أنها تحمل فرشاة رسم. [1]


محتويات

سنوات التكوين

وُلد ويليام أدولف بوجيرو في لاروشيل ، فرنسا ، في 30 نوفمبر 1825 ، لعائلة من تجار النبيذ وزيت الزيتون. [4] ابن تيودور بوجيرو (مواليد 1800) وماري بونين (1804) ، المعروفين باسم أديلين ، نشأ ويليام ككاثوليكي. كان لديه أخ أكبر ، ألفريد ، وأخته الصغرى ماري (المعروفة باسم حنا) ، التي توفيت عندما كانت في السابعة من عمرها. انتقلت العائلة إلى Saint-Martin-de-Ré في عام 1832. ولد شقيق آخر في عام 1834 ، وهو Kitty. في سن الثانية عشرة ، ذهب بوجيرو إلى مورتاني للإقامة مع عمه أوجين ، وهو كاهن وطور حبًا للطبيعة والدين والأدب. في عام 1839 ، تم إرساله للدراسة للكهنوت في كلية كاثوليكية في بونس. هنا تعلم الرسم والتلوين من قبل لويس سيج ، الذي كان قد درس في عهد إنجرس. ترك بوغيرو دراسته على مضض ليعود إلى عائلته التي تقيم الآن في بوردو. هناك التقى بفنان محلي ، تشارلز ماريونو ، وبدأ في المدرسة البلدية للرسم والتلوين في نوفمبر 1841. عمل بوجيرو أيضًا كمساعد متجر ، حيث قام بتلوين المطبوعات الحجرية يدويًا وصنع لوحات صغيرة أعيد إنتاجها باستخدام الطباعة الحجرية الملونة. سرعان ما أصبح أفضل تلميذ في فصله ، وقرر أن يصبح فنانًا في باريس. لتمويل هذه الخطوة ، باع صورًا - 33 زيوتًا في ثلاثة أشهر. كانت جميعها غير موقعة وتم اقتفاء أثر واحدة فقط. وصل إلى باريس وعمره 20 عامًا في مارس 1846. [5]

أصبح بوجيرو طالبًا في مدرسة الفنون الجميلة. [4] لاستكمال تدريبه الرسمي في الرسم ، حضر التشريح التشريحي ودرس الأزياء التاريخية وعلم الآثار. تم قبوله في استوديو François-Édouard Picot ، حيث درس الرسم بالأسلوب الأكاديمي. دانتي وفيرجيل في الجحيم (1850) كان مثالًا مبكرًا لأعماله الكلاسيكية الجديدة. وضعت اللوحة الأكاديمية أعلى مكانة في الموضوعات التاريخية والأسطورية ، وعزم Bouguereau على الفوز بجائزة Prix de Rome ، والتي ستكسبه إقامة لمدة ثلاث سنوات في Villa Medici في روما ، إيطاليا ، حيث يمكنه بالإضافة إلى الدروس الرسمية أن يدرس أولاً - ومن جهة فناني عصر النهضة وروائعهم إلى جانب الآثار اليونانية والإترورية والرومانية. [7]

فيلا ميديسي ، روما 1851-1854 تحرير

دخل الفنان الشاب مسابقة Prix de Rome في أبريل 1848. بعد فترة وجيزة من بدء العمل ، اندلعت أعمال شغب في باريس ، وانضم بوجيرو إلى الحرس الوطني. بعد محاولة فاشلة للفوز بالجائزة ، دخل مرة أخرى في عام 1849. بعد 106 يومًا من المنافسة ، فشل مرة أخرى في الفوز. بدأت محاولته الثالثة دون جدوى في أبريل 1850 مع دانتي وفيرجيل ولكن بعد خمسة أشهر ، سمع أنه فاز بالجائزة الأولى المشتركة عن الرعاة يجدون زنوبيا على ضفاف نهر أراكسيس. [7]

سويًا مع الفائزين الآخرين بالفئة ، انطلق إلى روما في ديسمبر ووصل أخيرًا إلى فيلا ميديتشي في يناير 1851. استكشف بوجيرو المدينة ، وقام بعمل رسومات وألوان مائية أثناء ذهابه. كما درس الأدب الكلاسيكي ، مما أثر في اختياره للموضوع لبقية حياته المهنية. [7] مشى إلى نابولي ثم إلى كابري وأمالفي وبومبي. لا يزال يقيم في روما ويعمل بجد على الدورة التدريبية ، كان هناك المزيد من الاستكشافات لإيطاليا في عام 1852. على الرغم من إعجابه الشديد بكل الفنون التقليدية ، إلا أنه كان يقدس بشكل خاص النحت اليوناني ، ليوناردو دافنشي ، رافائيل ، مايكل أنجلو ، تيتيان ، روبنز وديلاكروا . في أبريل 1854 ، غادر روما وعاد إلى لاروشيل. [5]

ارتفاع المهنة تحرير

تم عرض Bouguereau ، وهو رسم على الطراز الأكاديمي التقليدي ، في المعارض السنوية لصالون باريس طوال حياته العملية. ذكر أحد المراجعين الأوائل أن "السيد بوجيرو لديه غريزة طبيعية ومعرفة بالكونتور. تشغله الطاقة الحركية لجسم الإنسان ، وفي تذكر النتائج السعيدة التي وصل إليها في هذا النوع قدماء وفناني القرن السادس عشر. ، لا يسع المرء إلا أن يهنئ السيد بوجيرو بمحاولته السير على خطىهم. فقد استوحى رفائيل من القدماء. ولم يتهمه أحد بأنه غير أصلي ". [8]

كان رافائيل من المفضلين لدى Bouguereau واعتبر هذه المراجعة بمثابة مجاملة عالية. كان قد استوفى أحد متطلبات Prix de Rome من خلال إكمال نسخة رئيسية قديمة من Raphael's انتصار غلاطية. في العديد من أعماله ، اتبع نفس النهج الكلاسيكي للتكوين والشكل والموضوع. [9] واعتبرت صور بوجيرو الجميلة للمرأة ساحرة للغاية ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى قدرته على تجميل جليسة أطفال مع الاحتفاظ بمظهرها أيضًا.

على الرغم من أن بوجيرو أمضى معظم حياته في باريس ، إلا أنه عاد إلى لاروشيل مرارًا وتكرارًا طوال حياته المهنية. تم تبجيله في بلدة ولادته وقام بتزيين اللجان من المواطنين المحليين. منذ أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، قضى هو وعائلته كل صيف في لاروشيل. في عام 1882 ، قرر أنه بدلاً من استئجار منزل ، سيشتري منزلًا ، بالإضافة إلى مباني المزرعة المحلية. بحلول أغسطس من ذلك العام ، كانت القاعدة الصيفية الدائمة للعائلة في شارع فيرديير. بدأ الفنان العديد من اللوحات هنا وأكملها في الاستوديو الخاص به في باريس. [5]

ازدهر بوجيرو بعد إقامته في فيلا ميديشي. في 1854-1855 قام بتزيين سرادق في المنزل الكبير لابن عمه في أنغولين ، بما في ذلك أربع لوحات كبيرة لشخصيات تصور الفصول. كان سعيدًا بتولي عمولات أخرى لسداد الديون المستحقة في إيطاليا ومساعدة والدته المفلسة. قام بتزيين قصر بتسع لوحات كبيرة لشخصيات استعارية. في عام 1856 ، كلفته وزارة الدولة للفنون الجميلة بالرسم الإمبراطور نابليون الثالث يزور ضحايا فيضان تاراسكون. كانت هناك زخارف للكنيسة الصغيرة في سان كلوتيلد. حصل على وسام جوقة الشرف في 12 يوليو 1859. بحلول هذا الوقت ، كان بوجيرو قد ابتعد عن الرسم التاريخي والتكليفات الطويلة للعمل على المزيد من اللوحات الشخصية ، ذات الموضوعات الواقعية والريفية. [5]

بحلول أواخر خمسينيات القرن التاسع عشر ، كان قد أقام علاقات قوية مع تجار الفن ، ولا سيما بول دوراند رويل (لاحقًا بطل الانطباعيين) ، الذي ساعد العملاء في شراء لوحات من الفنانين الذين عرضوا في الصالونات. [10] بفضل Durand-Ruel ، التقى Bouguereau بـ Hugues Merle ، الذي غالبًا ما تمت مقارنته مع Bouguereau. اجتذبت الصالونات سنويًا أكثر من 300000 شخص ، مما يوفر عرضًا قيمًا للفنانين المعروضين. [11] امتدت شهرة بوجيرو إلى إنجلترا بحلول ستينيات القرن التاسع عشر. [12] عُرضت ثلاث لوحات في صالون 1863 و العائلة المقدسة (الآن في متحف Chimei) تم بيعه إلى نابليون الثالث ، الذي قدمه لزوجته الإمبراطورة أوجيني ، التي علقها في شقتها في التويلري. [5]

مغتسل تم تقديم (1864) ، وهو عاري صادم ، إلى معرض في غينت ، بلجيكا. لقد كان نجاحًا باهرًا واشتراه المتحف بتكلفة كبيرة. في هذا الوقت ، تولى ويليام أعمال الزخرفة في المسرح الكبير ، بوردو ، والتي استمرت أربع سنوات. في عام 1875 ، بدأ مع مساعديه العمل على سقف كنيسة لا روشيل ، وأنتج ست لوحات على النحاس على مدى السنوات الست التالية. بمجرد التثبيت في المدينة في صيف عام 1875 ، بدأ بيتا، إحدى أعظم لوحاته الدينية وعرضت في صالون عام 1876 تكريما لابنه جورج. بناءً على طلب من الملك ويليام الثالث ملك هولندا ، ذهب بوجيرو إلى قصر هيت لو في مايو 1876. أعجب الملك بالفنان وقضيا أوقاتًا حميمة معًا. في مايو 1878 افتتح معرض باريس العالمي لعرض الأعمال الفرنسية. وجد Bouguereau واستعار اثنتي عشرة لوحة من أصحابها ، بما في ذلك عمله الجديد Nymphaeum. [5]

كان Bouguereau تقليديًا قويًا كانت لوحاته الفنية وموضوعاته الأسطورية تفسيرات حديثة للموضوعات الكلاسيكية ، الوثنية والمسيحية على حد سواء ، مع التركيز على الشكل الأنثوي العاري. جلب العالم المثالي للوحاته إلى الحياة الآلهة والحوريات والسباحون والرعاة ومادونا بطريقة جذبت رعاة الفن الأثرياء في ذلك العصر.

استخدم Bouguereau الأساليب التقليدية في رسم لوحة ، بما في ذلك الدراسات التفصيلية بالقلم الرصاص والرسومات الزيتية ، وأسفرت طريقته الدقيقة عن إرضاء ودقة الشكل البشري. كانت رسوماته للجلد واليدين والقدمين محل إعجاب بشكل خاص. [13] كما استخدم بعض الرموز الدينية والإثارة للسادة القدامى ، مثل "الإبريق المكسور" الذي يشير إلى البراءة المفقودة. [14]

تلقى Bouguereau العديد من العمولات لتزيين المنازل الخاصة والمباني العامة ، وفي وقت مبكر ، زاد هذا من مكانته وشهرته. كما كان معتادًا في مثل هذه اللجان ، كان يرسم أحيانًا بأسلوبه الخاص ، وفي أوقات أخرى يتوافق مع أسلوب المجموعة الحالي. كما قام بتخفيضات في لوحاته العامة للبيع للرعاة ، منها البشارة (1888) مثال. [15] كان أيضًا رسامًا ناجحًا للصور الشخصية والعديد من لوحاته التي تصور الرعاة الأثرياء لا تزال في أيدٍ خاصة. [16]

تحرير أكاديمي جوليان

منذ ستينيات القرن التاسع عشر ، ارتبط بوجيرو ارتباطًا وثيقًا بأكاديمي جوليان حيث قدم دروسًا ونصائح لطلاب الفنون ، ذكوراً وإناثاً ، من جميع أنحاء العالم. خلال عدة عقود قام بتدريس الرسم والتصوير لمئات ، إن لم يكن الآلاف ، من الطلاب. تمكن الكثير منهم من تأسيس مهن فنية في بلدانهم ، في بعض الأحيان باتباع أسلوبه الأكاديمي ، وفي حالات أخرى ، تمردوا ضده ، مثل هنري ماتيس. تزوج من تلميذه الأكثر شهرة ، إليزابيث جين جاردنر ، بعد وفاة زوجته الأولى.

حصل بوجيرو على العديد من التكريمات من الأكاديمية: أصبح عضوًا مدى الحياة في عام 1876 وحصل على وسام الشرف الكبير في عام 1885 [17] تم تعيينه قائدًا لجوقة الشرف في عام 1885 وتم تعيينه ضابطًا كبيرًا لجوقة الشرف في عام 1905. [ 18] بدأ بتدريس الرسم في أكاديمية جوليان [19] في عام 1875 ، وهي مؤسسة فنية مختلطة مستقلة عن مدرسة الفنون الجميلة ، بدون امتحانات دخول ورسوم رمزية. [20]

زوجات وأطفال تحرير

في عام 1856 ، بدأ ويليام العيش مع أحد عارضاته ، نيللي مونشابلون ، البالغة من العمر 19 عامًا من ليسل إن ريجولت. العيش معًا خارج إطار الزواج ، أبقى الزوج على اتصالهما سراً. وُلد طفلهما الأول ، هنرييت ، في أبريل 1857 ، ولد جورج في يناير 1859. ولدت الطفلة الثالثة جين ، في 25 ديسمبر 1861. وتزوج الزوجان بهدوء (وافترض الكثيرون أنهما تزوجا بالفعل) في 24 مايو 1866. ثمانية أيام في وقت لاحق ، ماتت جين من مرض السل. في حداد ، ذهب الزوجان إلى لاروشيل ، وقام بوجيرو برسم لوحة لها في عام 1868. ولد الطفل الرابع ، أدولف (المعروف باسم بول) ، في أكتوبر 1868. في سن 15 ، تأثرت صحة جورج ، وأخذته والدته بعيدًا عن هواء باريس السيئ. ومع ذلك ، توفي في 19 يونيو 1875. أنجبت نيللي طفلها الخامس في عام 1876 ، موريس ، لكن صحتها كانت تتدهور واشتبه الأطباء في إصابتها بالسل. توفيت في 3 أبريل 1877 ، وتوفي الطفل موريس بعد شهرين. [21]

خطط الفنان للزواج من إليزابيث جين جاردنر ، وهي طالبة كان يعرفها منذ عشر سنوات ، لكن والدته عارضت الفكرة. بعد فترة وجيزة من وفاة نيللي ، أقسمت بوجيرو أنه لن يتزوج مرة أخرى في حياتها. بعد وفاة والدته ، وبعد خطوبته لمدة تسعة عشر عامًا ، تزوج هو وغاردنر في باريس في يونيو 1896. [21] واصلت زوجته العمل كسكرتيرة خاصة له ، وساعدت في تنظيم موظفي المنزل. أصيب ابنه بول بمرض السل في أوائل عام 1899 ، وزوجة أبيه بول ، وذهب بوجيرو إلى مينتون في الجنوب. عندما طالت فترة الإقامة ، وجد الفنان غرفة ليرسم فيها. توفي بول في منزل والده في أبريل 1900 ، عن عمر يناهز 32 عامًا ، وقد عاش بوجيرو أكثر من أربعة من أطفاله الخمسة ، فقط هنرييت عاشت أكثر من حياته. توفيت إليزابيث ، التي كانت مع زوجها حتى النهاية ، في باريس في يناير 1922. [5]

تحرير المنازل

عندما وصل Bouguereau إلى باريس في مارس 1846 ، أقام في فندق Corneille في 5 شارع Corneille. في عام 1855 ، بعد إقامته في روما ، عاش في 27 شارع دي فلوروس ، وفي العام التالي استأجر استوديو في الطابق الرابع في 3 شارع كارنو ، بالقرب من شقته. في عام 1866 ، وهو عام زواجه من نيللي ، اشترى قطعة أرض شاسعة في شارع نوتردام دي تشامب ، وكلف مهندس معماري بتصميم منزل كبير به استوديو في الطابق العلوي. تم تنصيب الأسرة في عام 1868 ، مع خمسة خدم ووالدته ، أديلين ، يقومون بزيارات يومية. قضى بوجيرو بقية حياته هنا وفي لاروشيل. [5]

السنوات اللاحقة وتحرير الموت

كان Bouguereau رسامًا دؤوبًا ، غالبًا ما كان يكمل عشرين لوحة أو أكثر في عام واحد. حتى خلال سنوات الشفق من حياته ، كان يستيقظ عند الفجر ليعمل على لوحاته ستة أيام في الأسبوع ويستمر في الرسم حتى حلول الليل. [5] طوال حياته ، من المعروف أنه رسم ما لا يقل عن 822 لوحة. فُقد العديد من هذه اللوحات. [3] قرب نهاية حياته وصف حبه لفنه: "كل يوم أذهب إلى الاستوديو الخاص بي مليئًا بالبهجة في المساء عندما أضطر إلى التوقف بسبب الظلام ، وبالكاد يمكنني الانتظار حتى يأتي صباح اليوم التالي. لا أستطيع أن أعطي نفسي لرسومي العزيزة أنا بائس ". [22]

في ربيع عام 1905 ، تعرض منزل Bouguereau واستوديوه في باريس للسطو. في 19 أغسطس 1905 ، توفي بوجيرو عن عمر يناهز 79 عامًا في لاروشيل من مرض في القلب. كان هناك فيض من الحزن في بلدة ولادته. بعد قداس في الكاتدرائية ، تم وضع جسده في قطار متجه إلى باريس لحضور حفل ثان. تم دفن بوجيرو مع نيللي وأطفاله في قبو العائلة في مقبرة مونبارناس. [5]

سوار, مساء أو مزاج المساء (1882)

Psyche et L'Amour (1889)

المستحم أو بينوز (1879)

ليه دوكس بينوز (1884)

في عصره ، كان يُعتبر Bouguereau واحدًا من أعظم الرسامين في العالم من قبل مجتمع الفن الأكاديمي ، وفي الوقت نفسه كان يشتمه الطليعة. كما اكتسب شهرة واسعة في بلجيكا ، وهولندا ، والبرتغال ، وإسبانيا ، وإيطاليا ، ورومانيا ، والولايات المتحدة ، وحقق ارتفاعًا في الأسعار. [16] غالبًا ما تُباع أعماله في غضون أيام من الانتهاء. وقد شاهد هواة الجمع الدوليون بعضها واشتروا قبل انتهاء العمل. [5]

كانت مسيرة Bouguereau تقريبًا صعودًا مباشرًا بالكاد انتكاسة. [23] بالنسبة للكثيرين ، كان يجسد الذوق والصقل واحترام التقاليد. بالنسبة للآخرين ، كان فنيًا كفؤًا عالقًا في الماضي. استخدم ديغا ورفاقه مصطلح "Bouguereauté" بطريقة ازدرائية لوصف أي أسلوب فني يعتمد على "الأسطح الملساء والاصطناعية" ، [23] المعروف أيضًا باسم اللمسة النهائية. في رسالة عام 1872 ، كتب ديغا أنه سعى إلى محاكاة أسلوب العمل المنظم والمنتج لبوغيرو ، على الرغم من ذكاء ديغا الشهير ، والميول الجمالية للانطباعيين ، فمن الممكن أن يكون التصريح ساخرًا. [16] كره بول غوغان ، وصنفه في الجولة صفر راكونترس دي رابين ووصف لاحقًا في Avant et après (المجلات الحميمة) في المرة الوحيدة التي جعله فيها بوجيرو يبتسم عندما شاهد بضع لوحاته في بيت دعارة آرل ، "حيث ينتمون". [24] [25]

تم شراء أعمال Bouguereau بشغف من قبل المليونيرات الأمريكيين الذين اعتبروه أهم فنان فرنسي في ذلك الوقت. [16] على سبيل المثال ، الحوريات والساتير تم شراؤها أولاً من قبل جون وولف ، ثم باعتها وريثته كاثرين لوريارد وولف إلى صاحب الفندق إدوارد ستوكس ، الذي عرضه في فندق هوفمان هاوس بمدينة نيويورك. [26] تم تدمير لوحتين لبوغيرو في قصر نوب هيل في ليلاند ستانفورد في زلزال سان فرانسيسكو وحريق عام 1906. [27] قام قطب جولد راش جيمس بن علي هاغين وعائلته ، الذين عادة ما يتجنبون العراة ، باستثناء لبوجيرو Nymphaeum.

ومع ذلك ، حتى خلال حياته ، كان هناك معارضة نقدية في تقييم عمله ، حيث كتب المؤرخ الفني ريتشارد موثر في عام 1894 أن بوجيرو كان رجلاً "يفتقر إلى الشعور الفني ولكنه يمتلك ذوقًا مثقفًا [الذي] يكشف. تراجع المدارس القديمة للاتفاقيات ". في عام 1926 ، انتقد مؤرخ الفن الأمريكي فرانك جيويت ماذر القصد التجاري لعمل بوجيرو ، وكتب أن الفنان "ضاعف تماثيلًا غامضة وردية اللون من الحوريات ، ولفها أحيانًا ، عندما أصبحوا قديسين ومادونا ، رسموا على نطاق واسع يهيمن على المعرض. ، وقد حصل على مكافأته. أنا مقتنع بأن صورة بوجيرو العارية قد تم ترتيبها مسبقًا لتلبي مُثل سمسار البورصة في نيويورك من جيل الجوز الأسود ". اعترف بوجيرو في عام 1891 أن اتجاه عمله الناضج كان إلى حد كبير استجابة للسوق: "ماذا تتوقع ، عليك أن تتبع الذوق العام ، والجمهور لا يشتري إلا ما يحبه. لهذا السبب ، مع مرور الوقت ، قمت بتغيير طريقة الرسم ". [28]

سقطت سمعة Bouguereau بعد عام 1920 ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى الأذواق المتغيرة. [7] بمقارنة عمله بعمل معاصريه الواقعيين والانطباعيين ، أخطأ كينيث كلارك في لوحة بوجيرو بـ "التشحيم" ، ووصف فن الصالون بأنه سطحي ، مستخدمًا "اتفاقية الشكل الناعم والسطح الشمعي". [29]

نظم مركز نيويورك الثقافي عرضًا لأعمال بوجيرو في عام 1974 - بدافع الفضول جزئيًا ، على الرغم من أن المنسق روبرت إيزاكسون كان يتطلع إلى إعادة التأهيل طويل المدى لإرث بوجيرو وسمعته. [30] في عام 1984 ، استضاف معرض بورغي عرضًا تجاريًا لـ 23 لوحة زيتية ورسم واحد. في نفس العام تم تنظيم معرض كبير من قبل متحف مونتريال للفنون الجميلة في كندا. افتتح المعرض في Musée du Petit-Palais ، في باريس ، وسافر إلى The Wadsworth Atheneum في هارتفورد ، واختتم في مونتريال. في الآونة الأخيرة ، شجع جامع الأعمال الأمريكي فريد روس عودة شعبية الفنان ، الذي يمتلك عددًا من اللوحات التي رسمها بوجيرو ويعرضه على موقعه على الإنترنت في Art Renewal Center. [31] [32]

في عام 2019 ، قام متحف ميلووكي للفنون بتجميع أكثر من 40 لوحة من لوحات بوجيرو من أجل معرض استعادي كبير لأعماله ، والتي وفقًا لـ وول ستريت جورنالوطلب من القراء "أن يروا بوجيرو بعيون عصر كان يحتفل به ، وتم رفض الانطباعية باعتبارها" الحرية الفرنسية ". [33] كان من المقرر أن يسافر المعرض لاحقًا إلى متحف ممفيس بروكس للفنون في ممفيس بولاية تينيسي ، ثم إلى متحف سان دييغو للفنون. [34]

ارتفعت أسعار أعمال Bouguereau بشكل مطرد منذ عام 1975 ، مع بيع اللوحات الرئيسية بأسعار عالية: 1500000 دولار في عام 1998 مقابل صحوة القلب، 2،600،000 دولار في عام 1999 ل الوطن و صدقة في المزاد العلني في مايو 2000 مقابل 3،500،000 دولار. توجد أعمال Bouguereau في العديد من المجموعات العامة.

نوتردام دي أنج ("سيدة الملائكة") عرضت آخر مرة علنًا في الولايات المتحدة في المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893. وقد تم التبرع بها في عام 2002 إلى بنات ماري أم مخلصنا ، وهي جماعة من الراهبات المنتسبات إلى كلارنس كيليز. الجمعية الكاثوليكية التقليدية للقديس بيوس الخامس في عام 2009 ، باعتها الراهبات مقابل 450 ألف دولار لتاجر أعمال فنية ، والذي كان قادرًا على بيعها بأكثر من مليوني دولار. وأدانت هيئة محلفين في ألباني ، نيويورك ، كيلي في وقت لاحق بالتشهير بالتاجر في تصريحات أدلى بها في مقابلة تلفزيونية. [35]

المصادر في اسمه الكامل متناقضة: في بعض الأحيان يتم تقديمه كـ وليام أدولف بوجيرو (اسم مؤلف) ، وليام أدولف بوجيرو (الأسماء المعتادة والمدنية فقط وفقًا للتقاليد الفرنسية) ، بينما تظهر في مناسبات أخرى كـ أدولف ويليام بوجيرو (مع Adolphe كاسم معتاد). ومع ذلك ، فقد اعتاد أن يوقع أعماله ببساطة باسم William Bouguereau (في إشارة إلى أن "William" كان اسمه الأول ، بغض النظر عن الترتيب) ، أو بشكل أكثر دقة "تاريخ دبليو بوجيرو" (الأبجدية الفرنسية) وفيما بعد "تاريخ W-BOVGVEREAV" (الأبجدية اللاتينية).

  • 1848: جائزة روما الثانية ، لـ Saint Pierre après sa délivrance de prison، vient retrouver les fidèles chez Marie.
  • 1850: بريمير بريكس دي روما ، مقابل Zenobie retrouvée par les bergers sur les bords de l'Araxe.
  • 1859 فارس جوقة الشرف [18]
  • 1876: ضابط وسام جوقة الشرف [18]
  • 1881 فارس في وسام ليوبولد [36]
  • 1885: قائد وسام جوقة الشرف [18]
  • 1885: وسام الشرف الكبير [17]
  • 1890: عضو الأكاديمية الملكية للعلوم والآداب والفنون الجميلة في بلجيكا. [37]
  • 1905: الضابط الأكبر لجوقة الشرف [18]

في الملك باللون الأصفرمن قبل روبرت دبليو تشامبرز ، ورد ذكره في العديد من الحكايات كمدرس في مدرسة الفنون الجميلة.

في رواية السير آرثر كونان دويل علامة الأربعة (1890) ، يلاحظ السيد شولتو ، "لا يمكن أن يكون هناك أدنى سؤال حول بوجيرو. أنا متحيز للمدرسة الفرنسية الحديثة." [38]


دانتي وفيرجيل في الجحيم (1850)

مصدر هذه اللوحة هو Canto XXX من تسلسل "الجحيم" لشاعر القرون الوسطى دانتي أليغييري الكوميديا ​​الإلهية (1308-20). في هذا القسم ، ينزل الشاعر دانتي ومرشده فيرجيل إلى الدائرة الثامنة من الجحيم ، حيث يلتقيان بأرواح "المزورين" المعذبة (المزورون والمحتالون). من المحتمل أن يكون Bouguereau مستوحى من السطور التالية من القصيدة: "كما رأيت ظلان شاحبان وعاريان ، / من ، يعض ​​، بالطريقة التي يسير بها الخنزير ، عندما ينفصل من الذيل." في المقدمة ، تعرض Capocchio الغاضب - وهو صديق من أيام دانتي الدراسية ، والذي تم حرقه على المحك بصفته كيميائيًا - للهجوم من قبل جياني شيشي ، أحد معاصري دانتي ، الذي انتحل شخصية رجل ميت لسرقة ميراثه. يحوم شيطان في الخلفية ، بينما تتأرجح الأرواح الملعونة الأخرى في المشهد الناري.

قدم Bouguereau هذا العمل المروع بشكل غير معتاد إلى صالون عام 1850 ، في وقت كان فيه لتوه رسامًا أكاديميًا. حصل العمل على إشادة كبيرة من النقاد ، بما في ذلك من الكاتب تيوفيل غوتييه ، الذي علق على اهتمام بوجيرو بالجهاز العضلي والدراما السردية. من خلال دراسته في مدرسة الفنون الجميلة ، واجه بوجيرو أعمال الرسامين النيوكلاسيكيين العظماء ، واستوعب الموضة المعاصرة للموضوعات المظلمة من أدب العصور الوسطى. في هذه المرحلة المبكرة من حياته المهنية ، كان مهتمًا أيضًا بالتباهي ببراعته الفنية ، من خلال التقاط أوضاع عارية متوترة بشكل غير عادي.

لن يعود بوجيرو إلى دانتي ، سرعان ما يكتشف - على حد تعبيره - أن "الرهيب ، المحموم ، البطولي لا يدفع" ، وأن الجمهور يفضل الزهرة وكيوبيد. ومع ذلك ، فقد احتفظ بالمهارة الرائعة في الرسم على الأشكال وهو ما يتضح من هذا العمل. تألف في نفس العام مثل رسمه الرائع زنوبيا عثر عليها الرعاة على ضفاف نهر أراكس (1850) ، التي أكسبته جائزة Grand Prix de Rome ، تمثل هذه اللوحة نقطة في مسيرة Bouguereau عندما أسس نفسه كبطل للأسلوب الأكاديمي.

بيتا (1876)

من أجل هذا العمل الديني الطموح ، ابتكر Bouguereau تفسيرًا واسع النطاق للكلاسيكية بيتا موضوع ، يظهر مريم العذراء حدادا على جسد المسيح. في وسط التكوين ، الذي استهلكه حجابها الأسود ، تحتضن ماري طفلها ، وتناشد المشاهد أن يشفق على نظراتها. تحيط الهالات الذهبية ، التي تشبه تفاصيل الأوراق الذهبية على أيقونات عصر النهضة وأعمال المذبح ، برؤوس الشكلين المركزيين ، بينما تحيط مجموعة من ملائكة الحداد بالمشهد ، مرددًا الأشكال التركيبية المركزية.

قبل عام من إكمال اللوحة ، عانى بوجيرو من خسارة مؤلمة لابنه المراهق جورج بسبب مرض مفاجئ. تكشف المراسلات المعاصرة عن حزن الفنان الشديد على الوفاة ، والذي يبدو أيضًا أنه دفعه إلى إنشاء عدد من الأعمال الدينية الضخمة ، وكان هذا العمل هو الأكثر تأثيراً. الجرة الذهبية في المقدمة تحمل نقشًا لاتينيًا باهتًا مخصصًا لجورج ، بما في ذلك تاريخ وفاته. من الناحية الأسلوبية ، قارن مؤرخ الفن جيرالد أكرمان أعمال بوجيرو الدينية بـ "أسياد عصر النهضة العالي [.] [Bouguereau] يبني التراكيب من حركة الأجسام القوية المستديرة جيدًا ، والتي يملأ حضورها الرسمي اللوحات بالطاقة. " ليس من قبيل المصادفة أن موقف رأس المسيح وكتفيه يردد صدى موقف مايكل أنجلو الفاتيكان بيتا (1498-99) النحت. كما أولى بوجيرو اهتمامًا وثيقًا بالتفاصيل من خلال استخدامه للون: الدم الصدئ المجفف على القماش الأبيض في المقدمة ، وعيون العذراء الدامعة ، والنغمات الخضراء لأطراف المسيح المتهالكة ، كلها تعزز الدقة البصرية.

في سبعينيات القرن التاسع عشر في فرنسا ، لم يعد الرسم الديني هو النوع السائد الذي كان عليه قبل نصف قرن ، وكان النمط الحاد والدقيق للنيوكلاسيكية مهدَّدًا أيضًا ، من تقدم الانطباعية ، تجدر الإشارة إلى أن هذه اللوحة قد تم تأليفها بعد أربع سنوات مونيه الانطباع ، الشروق (1872). ومع ذلك ، لم يكن Bouguereau أسيرًا للأزياء الطليعية ، كما أن هويته الشخصية مع بيتا سمح له الموضوع بإبداع عمل يتجاوز المشاعر المتخلفة التي يُنتقد بسببها أحيانًا.

ولادة فينوس (1879)

في تفسير Bouguereau لسرد أصل مشهور من الأساطير الرومانية ، تظهر Venus ، إلهة الحب والجمال ، من رغوة البحر واقفة على صدفة ، عابرة الماء للوصول إلى الأرض. يحيطها قطيع من الحوريات والتريتون والمعجون بإعجاب بينما ، في مواجهة الكلاسيكية ضد موقف فينوس أناديومين من العصور القديمة ، تبرز الإلهة منحنيات جسدها في اتجاهات متناوبة ، بينما تقوم بتعديل شعرها. تستحضر ألوان الباستيل الرائعة الجو الندي للعالم البحري.

بالنسبة لهذا التكوين ، استوحى بوجيرو الإلهام من أعمال عصر النهضة مثل رفاييل انتصار غلاطية (ج .1514) ، بهالة تحيط بها من الكروبيم ، وساندرو بوتيتشيلي المغري. ولادة فينوس (1486) ، وكلاهما درس بوجيرو في إيطاليا خلال منحة Prix de Rome. على عكس عراة رافائيل وبوتيتشيلي ، تم التقاط فينوس لبوغيرو بطبيعية راقية تشير إلى الأذواق الفنية الجديدة في سبعينيات القرن التاسع عشر ، دون التخلي عن الحرفة الكلاسيكية الجديدة. على هذا النحو ، يرتفع العمل إلى مستوى التحدي الذي واجهه رسام الصالون في أواخر القرن التاسع عشر كما وصفه ت. كلارك: للتفاوض حول جسد امرأة عصرية بأسلوب طبيعي مع التمسك بالمثال الأكاديمي المتمثل في "الجسد كعلامة ، رسمية ومعممة ، يُقصد بها رمزًا من الهدوء والوفاء". في كمالها التقني ، تبدو فينوس Bouguereau واقعية ، لكنها لا تزال بعيدة عن الهوية الفردية ، محصورة بأمان في دور المثل الأعلى.

أثبت هذا أنه مزيج ناجح (ومربح) ، وتلقى بوجيرو إشادة كبيرة بهذه اللوحة في صالون عام 1879. تلمح الصبغة الجنسية القوية أيضًا إلى بعض أساليب Bouguereau الأكثر براغماتية لضمان جمهور مشتري لعمله: في حين أن Venus لـ Botticelli تخفي حضنها بشكل جذاب ، تدعو Bouguereau المشاهد لتفقد كل قسم منها ، دون خجل من عريها وشهوانيتها.


الولد الذهبي

كان لساندرو أخ أكبر ، يُزعم أنه يُدعى "برميل" بسبب بنيته الممتلئة ، ويُعتقد أن هذه هي الطريقة التي حصل بها ساندرو الشاب على لقب بوتيتشيلي. ظل الاسم معه طوال حياته وأصبح مرادفًا لبعض أعظم الأعمال الفنية في فلورنسا. (انظر أيضا: كنيسة سيستين ، تحفة مايكل أنجلو.)

تفاصيل الحياة المبكرة للفنان قليلة. عن طفولة بوتيتشيلي ، كتب مؤرخ القرن السادس عشر جورجيو فاساري: "على الرغم من أن [بوتيتشيلي] وجد أنه من السهل تعلم كل ما يريد ، إلا أنه كان قلقًا. [وهكذا] سئمًا من تقلبات دماغ ابنه ، وفي يأس قام والده بتدريبه كصائغ ذهب ". تظهر هذه التجربة في لوحات بوتيتشيلي في شكل ازدهار دقيق ومعقد.

خلال فترة شباب بوتيتشيلي ، كانت فلورنسا مركزًا للابتكار في الفن الإيطالي. استخدم النحات الفلورنسي دوناتيلو معرفته الواسعة بالأعمال الكلاسيكية لدفع فنه إلى آفاق جديدة. تضم كنيسة سانتا ماريا نوفيلا الدومينيكية لوحة جدارية "الثالوث المقدس" من تصميم Masaccio. تم الانتهاء منه في عام 1427 ، ويُعتقد أنه أول عمل يطبق بالكامل قوانين المنظور الخطي. (انظر أيضًا: العثور على تحفة Donatello "المفقودة".)

يعتقد علماء Mayn أن Vespuccis ، المعارف الأثرياء لعائلة بوتيتشيلي ، أمّنوا له تدريبًا مهنيًا مع Fra Filippo Lippi ، أحد أعظم الرسامين في المنطقة. كان لدى ليبي ورشة عمل في بلدة براتو القريبة ، ودرس المراهق بوتيتشيلي معه ورسم أعماله الأولى تحت وصاية ليبي.


10 حقائق قد لا تعرفها عن التحفة الفنية

1. وضع بوتيتشيلي سابقة جديدة بلوحته "ولادة فينوس". قدم العمل على قماش. كان هذا خروجًا عن اللوحات الخشبية واللوحات الجدارية التي عمل معها أساتذة عصره الآخرون. في الواقع ، نظرًا لأن القماش كان مادة أرخص ، فقد اعتبره العديد من المعاصرين أقل شأنا. كان بوتيتشيلي أول فنان في توسكانا يرسم على قماش.

2. وضع الفنان الإيطالي أيضًا معيارًا جديدًا لحجم اللوحة. يبلغ قياس "ولادة الزهرة" ستة أقدام في تسعة أقدام. قبل هذا العمل ، كان من المعتاد خلال عصر النهضة رسم الأعمال الفردية على نطاق أصغر.

3. Unlike his contemporaries such as Leonardo da Vinci, Botticelli chose to delve further into the past for his subject matter in the "Birth of Venus." While da Vinci was sourcing the Christian tradition for his art, Botticelli tapped into ancient Greek mythology.

4. The artist did not achieve public acclaim until four centuries after his death. It is no surprise that more popular High Renaissance painters such as Michelangelo, who was working on high-profile frescos on the the Sistine Chapel Ceiling, claimed the contemporary imagination of the day.

5. Modern technological testing reveals some of the revisions the artist made on his way to the final artwork. The Hora, or Spring goddess, to the right of Venus once wore sandals. The hair of Venus, Zephyr to her left and the goddess in his embrace also underwent transformation.

6. Venus' hair can be seen blowing in the wind (personified by the beings surrounding her), with some locks gathering on her shoulder. Upon closer inspection, an observer can see that the hair on her right shoulder wraps into a beautiful spiral. But that is not just any spiral. It is a perfect logarithmic spiral, discovered decades later as a naturally-occurring natural spiral also known as "the marvelous spiral."

7. The title of the painting, "The Birth of Venus," is not wholly accurate. It actually depicts the mythical events following her birth. However, this title is not original to the painting. It was added in the 19th century when people began taking notice of Botticelli's work.

8. Botticelli added golden touches after the painting was finished and framed. He highlighted the wings of the wind deities, the hair of the figures, their robes, the shell and some of the landscape elements.

9. Some art experts consider the wind deities to be the shining stars of the painting. The flow of their robes and the fluidity of their embrace creates a lovely mini-tableau.

10. "Birth of Venus" was ordered as a wedding gift for the cousin of Giuliano Medici and his brother Lorenzo. Due to its intended purpose and its unconventional nudity, it did not enter the public domain until many years after its completion. Instead, it hung above the new couple's marriage bed.


The Birth of Venus (Bouguereau)

The Birth of Venus ( La Naissance de Vénus ) is the name of an oil painting by William Adolphe Bouguereau from 1879. The 3 × 2.15 meter picture shows the birth of the goddess Venus , which according to a variant in Greek mythology from the Foam before the island of Cyprus was born.

Bouguereau's The Birth of Venus was recorded at the Paris Salon of 1879 and won the Prix ​​de Rome . In the same year it was bought by the Musée du Luxembourg in Paris , where it was exhibited until 1920. It was then kept in the depot of the Musée des Beaux-Arts de Nantes before it returned to Paris in 1979 and has since been exhibited in the Musée d'Orsay .

The painting is a typical example of the academic art of its time, performed in a perfected naturalistic painting technique. Bouguereau relied on classic models, but always tried to bring the "original images" to life. During his “Birth of Venus” he increased the movements of the body and emphasized the curve of the hips a little more than was the case with the model - Aphrodite of Cyrene (Rome, thermal bath museum). The result of these small changes, which increased the erotic charisma of “Venus”, was well received by the audience. At the same time, thanks to the ancient model, he was above any moralizing criticism.


At the center of the painting, Venus stands nude on a scallop shell [3] being pulled by a dolphin, one of her symbols. Fifteen putti, including Cupid and Psyche, and several nymphs and centaurs have gathered to witness Venus' arrival. Most of the figures are gazing at her, and two of the centaurs are blowing into conch and Triton shells, signaling her arrival.

Venus is considered to be the embodiment of feminine beauty and sexuality, and these traits are shown in the painting. [3] Venus' head is tilted to one side, and her facial expression is calm, comfortable with her nudity. She raises her arms, [4] arranging her thigh-length, brilliantly red hair. She sways elegantly in an "S" curve contrapposto, emphasizing the feminine curves of her body. [5]

The model for Venus was Marie Georgine, princess of Ligne. In 1861, she was on a short holiday (séjours) in Paris with her twin flame (non-nobility). Together, they modeled for his "Abduction of Psyche" and "Flora and Zephyr". Bouguereau worked out other sketches and paintings later in life from photographs he took of the couple. Some of Bouguereau's other works, like La Nuit, are also based on her. Marie was also painted by Léon Bonnat. She has also been photographed by Antoine Samuel Adam-Salomon as madame de la Rochefoucauld. Another portrait with Marie Georgine can be seen in Chateau d'Esclimont, France.

Venus' figure was enlarged from a nymph from Bouguereau's The Nymphaeum, completed in 1878 (a year earlier). [5] The nymph is slightly thinner, and her breasts are fuller and more rounded. Venus' contrapposto is more intense, and her hair is also longer and lighter than the nymph's, but she arranges it almost identically.

To the upper-left of the painting, there is a shadow in the clouds. It appears to be the silhouette of the artist, with a head, shoulder, arm, and a raised fist that would seem to hold a paintbrush. [3]


The Birth of Venus

And there, bubbling in the shimmery blue waters of the cytheran sea, there arose a young woman, with twirling red hair and beauty unparalleled by any other. She rose through the foam as though she was a pearl emerging from a newly cracked oyster. Floating she walked gracefully toward the shore and the creatures of the sea and sky looked upon her in awe as they stood in the presence of the newly born Goddess of Love and Beauty.

The image of the birth of Venus, the Roman goddess Love and Beauty, has been renowned by artists and literary creators throughout the ages. The first telling of the birth of Aphrodite was in the Theogony, a poem by Hesiod created sometime between 730-700 b.c in Greece. Known as Aphrodite, she was a beacon of love and sexuality in Greco-Roman culture. The name Aphrodite comes from the word aphros in Greek, meaning “seafoam” or “risen from foam.” The Romans adopted her as their goddess Venus. The goddess has been depicted in multiple pieces and expressions of art, whether it be in forms of literature, sculptures, or paintings, the tales of her beauty and allure have made her the muse for various creators. Venus has been depicted in several statues such as the Aphrodite Ourania and the Venus de Milo. There have also been several painted pieces depicting the goddess, three of the most famous versions of the painted Birth of Venus come from the artists Sandro Botticelli, Alexandre Cabanel, and William Adolphe-Bouguereau. All three of the artists created compositions that have been widely appreciated since their creation, each carries their own air of grace and beauty when describing the creation of the goddess, but which offers the most impactful in modern times?

The Birth of Venus by Sandro Botticelli was commissioned during the Renaissance period between the years 1403-1485 by Pierfrancesco de’Medici, who was part of the influential Medici family. This work portrays an accurate expression of the Birth of Venus as she emerges from the foam of the sea on a shell blown to shore to one of the Horai who awaits her to cloth her. This piece is serene, full of textured detail and balance between the West Wind and the Horai on shore. By far the most influential piece and the most iconic, this painting was the staple of Renaissance creating a dreamlike sequence this painting is also one of the most accurate to the original story of Aphrodite’s birth with the Horai and surrounding scenery. The vast amount of details such as the roses and texture of the sea are appealing to many modern audiences, the color scheme which also incorporates many neutral but dashes of pastel color are as aesthetically pleasing. When asked, many recognize Botticelli’s piece to be “the most iconic” of the three. The birth of Venus by Sandro Botticelli is by far one of the most widely recognized art pieces in history and is ranked in the top ten most famous paintings in the world.

The Birth of Venus by Alexandre Cabenel is by far a softer and lower-key piece. It shows a simple depiction of a sleeping venus laying on top of the ocean while little Cherub’s celebrate around her. It was composed between 1823-1889, and unlike Botticelli’s, it is an oil on canvas piece, suggesting a thicker in-person composition and a less translucent piece. However the painting itself still keeps its dreamlike qualities with the color scheme that has heavy emphasis on Venus’s porcelain like skin and her hand daintily thrown across her face as is she has only just begun to awaken. Cabanel’s piece was bought by Napoleon III. Just like Botecelli’s, Cabanel’s work has status of influence, this specific piece being one of the staples of his era. Despite being an academic piece, Cabanel’s art steps away from the more conservative Botecelli piece and into a more erotic piece without offending the public. Despite the beauty in its composition some feel that the painting appears “washed out,” a friend of mine even said that Venus looks like a “dead body.” Cabanel’s piece incorporates many elements of his time into the piece which shows Aphrodite’s awakening and the serenity of her birth.

The final version of the Birth of Venus overlaps with the commission of Cabanel’s piece, being finished in 1879. William-Adolphe Bouguereau drew inspiration from the original birth of venus, shying away from a more “modest” piece like both Cabanel and Botticelli. Her illustrates Venus in a “sensual” and “erotic” way, putting emphasis on the ideal body type and beauty of the goddess. Bouguereau stepped away from the typical modesty of art and became of the first artists to depict women in a stylish and sensual way. The painting like those before depicts Venus in the middle as the center of attention–much like Botticelli’s piece. Venus is adored by many looking upon her except they appear to be more like Nymphs rather than actual minor gods such as the Horai and the Wind. Bouguereau plays around with placement of his characters, adding depth to the painting (which Botticelli’s lacks) and warmth to his subjects (by using various shades of peach and warm cream colors to illustrate her vivaciousness instead of emphasizing the porcelain-like quality of Aphrodite’s skin, which is what Cabanel did). Both of the foundational ideas of the paintings are expressed in Bouguereau’s piece: the display of Aphrodite’s nakedness as well as the layering effects of adding different spectators to the scene to admire Aphrodite. Despite being of the less well known pieces, this was sometimes seen as Bouguereau’s most influential piece, and modern audiences are awestruck by the angelic nature that Aphrodite posses.

Modern audiences are still heavily influenced by the works of artists past, but even with these three paintings alone, it is revealed how historical art influences later creators. Each piece holds foundational elements from their time period, and each was significant to their audience. The admiration for the Birth of Venus is one that rises and falls like the tides, but like the sea which Aphrodite was born, artists have always found a fascinating with the birth of the beautiful goddess.


Make Angel

‘And every one had four faces, and every one had four wings. And their feet were straight feet and the sole of their feet was like the sole of a calf’s foot: and they sparkled like the colour of burnished brass…. As for the likeness of their faces, they four had the face of a man, and the face of a lion, on the right side: and they four had the face of an ox on the left side they four also had the face of an eagle. Thus were their faces: and their wings were stretched upward two wings of every one were joined one to another, and two covered their bodies.’
— Ezekiel 1: 6-11

‘From as early as the second millennium B.C. humanity has created artifacts and pictures of winged creatures, messengers angels. The ferocious and capable creatures described in Ezekiel are far from commonplace in modern depictions of the angelic orders so, what are angels? Who are they? What is their enduring appeal, and why do we still appear to have a need for—representation by—them?

The project briefing will take off on Monday morning at 9.30 from Studio 3 — on the back of a winged human-headed bull (a lamassu) dating from the Neo-Assyrian Period (721-705 B.C.E.) We’ll then ‘walk a sky together’ (بعد، بعدما Sweeney Reed ) where in flight training will be provided by Vanessa Bell, Trisha Brown, Paul Klee, Sheila Legge, A.R. Penck and others … landing, unscheduled, later in the morning at Nikola Tesla airport in Belgrade. Thereafter, your task is a straightforward one: learn about an object or aspect of the subject that interests you reflect on it and, make Angel.’ — from the Project Brief

What follows are pictures, and pictures of artworks I made reference to in my introductory talk pictures too above of my notes. After this there is a list of other references provided in the project brief (under the headings of writing, music, film, radio و web) and all other information (titles of work, artists names, dates, photography credits etc.) may be found in the ‘tags’ at the bottom of the post.


The Birth of Venus

The Birth of Venus (French: La Naissance de Vénus) is one of the most famous paintings by 19th-century painter William-Adolphe Bouguereau. It depicts not the actual birth of Venus from the sea, but her transportation in a shell as a fully mature woman from the sea to Paphos in Cyprus. She is considered the epitome of the Classical Greek and Roman ideal of the female form and beauty, on par with Venus de Milo.

For Bouguereau, it is considered a tour de force. The canvas stands at just over 9 ft 10 in (3.00 m) high, and 7 ft 2 in (2.18 m) wide. The subject matter, as well as the composition, resembles a previous rendition of this subject, Sandro Botticelli's The Birth of Venus, as well as Raphael's The Triumph of Galatea.

The Birth of Venus was created for the Paris Salon of 1879. It was awarded the Grand Prix de Rome,[1] and was purchased by the state for the Musée du Luxembourg.[2] The painting is now in the permanent collection of the Musée d'Orsay in Paris.

At the center of the painting, Venus stands nude on a scallop shell[3] being pulled by a dolphin, one of her symbols. Fifteen putti, including Cupid and Psyche, and several nymphs and centaurs have gathered to witness Venus' arrival. Most of the figures are gazing at her, and two of the centaurs are blowing into conch and Triton shells, signaling her arrival.

Venus is considered to be the embodiment of feminine beauty and form, and these traits are shown in the painting.[3] Her head is tilted to one side, and her facial expression reflects that she is calm and comfortable with her nudity. She raises her arms,[4] arranging her thigh-length, brown hair, swaying elegantly in an "S" curve contrapposto, emphasizing the curves of her body.[5]

The model for Venus was Marie Georgine, princess of Ligne. In 1861, she was on a short holiday in Paris with her lover. Together, they modeled for Bouguereau's "Abduction of Psyche" and "Flora and Zephyr". He worked out Venus and other sketches and paintings later from photographs he took of the couple. Some of Bouguereau's other works, like La Nuit, are also based on her. Marie was also painted by Léon Bonnat and photographed by Antoine Samuel Adam-Salomon.

Venus' figure was enlarged from a nymph from Bouguereau's The Nymphaeum, completed in 1878, a year earlier.[5] The nymph is slightly thinner, and her breasts are fuller and more rounded. Venus' contrapposto is more intense, and her hair is also longer and lighter than the nymph's, but she arranges it almost identically.

To the upper-left of the painting, there is a shadow in the clouds. It appears to be the silhouette of the artist, with a head, shoulder, arm, and a raised fist that would seem to hold a paintbrush.

The most common form of historicism that reused styles of past ages, often in eclectic combinations, was the sensual, seductive, stylish portrayal of beautiful women, the supposed subject could be taken from Christianity, or from Greek or Roman myth. Bouguereau, an academy member since 1876, was one of the foremost artists of this kind. A devout Catholic, he was out to oppose traditional ethical values to the materialism of the world about him, but all he managed was the frisson of superficial delights. There was an unbridgeable gap between his art and that of Renoir, or indeed Cézanne.
Copyright Statement:
All the reproduction of any forms about this work unauthorized by Singing Palette including images, texts and so on will be deemed to be violating the Copyright Laws.
To cite this webpage, please link back here.


شاهد الفيديو: The meaning of The Birth of Venus 3D - By Botticelli. Uffizi Gallery in Florence (يوليو 2022).


تعليقات:

  1. Noel

    لا يقارن)))))))

  2. Kendel

    أهنئ ما هي رسالة ممتازة.

  3. Iobates

    أنت تسمح للخطأ. اكتب لي في PM.

  4. Nazuru

    بالتاكيد. كان معي أيضا.



اكتب رسالة